Schauspieler Karl Markovics: "Avatar" ist "eine Nischenproduktion"

Sie sind selbst auch Drehbuchautor und Regisseur – und selbst Spezialist für ungewöhnliche Geschichten. Wie ist es, wenn man mit Ihnen quasi „nur“ als Schauspieler zusammenarbeiten will? Wollen Sie sich da auch in die Gestaltung eines Films einbringen?

Im Gegenteil. Bei mir war das früher so. Denn schon als Kind hat mich die gestalterische Seite des Films und auch des Theaters interessiert. Ich wollte schreiben und Regie führen. Und wenn ich früher an einer Produktion „nur“ als Schauspieler engagiert war, habe ich mir schon oft gedacht, das würde ich jetzt anders machen. Oder: Schade! Aus der der Szene könnte man mehr herausholen. Und ich habe auch Vorschläge gemacht, die oft aus Zeitgründen, oder weil der Regisseur anderer Meinung war, nicht umgesetzt werden konnten. Eines Tages habe ich dann zu mir selbst gesagt: dann probiere es doch, ob du es tatsächlich kannst oder sogar besser kannst. Seitdem ich selbst Drehbücher schreibe und Filme mache, habe ich einen ganz anderen Blick auf Schauspieler bekommen - auch auf meine Arbeit. Meine Achtung vor dem Schauspielberuf ist enorm gestiegen – aber auch die vor der Aufgabe eines Regisseurs. Ich bin sicher ein angenehmerer Schauspieler für Regisseure geworden, indem ich mich als Schauspieler ganz in ihre Hände begebe. Aber bevor ich mich auf ein Projekt einlasse, möchte – nein: muss – ich dem jeweiligen Regisseur vertrauen.

Wie sehen Sie unter diesem Aspekt die Entwicklung in Hollywood zu immer mehr Spezialeffekten und Animation, etwa bei „Avatar 2“? Man muss schon ein geübtes Auge haben, um etwa in einem der Wasserwesen Cate Blanchett zu erkennen – zeugt das noch von Respekt vor der Schauspielkunst?

Für mich ist das eine Nischenproduktion. Ich kann mir nicht vorstellen, dass solche Filme je Standard werden. So wie auch die 3-D-Technologie ist in ihrer Nische geblieben, obwohl die Umsetzung inzwischen nahezu perfekt ist. Diese animierten, digitalisierten, tricktechnisch aufgemotzten Filme haben die menschlichen Schauspieler nicht verdrängen können und werden es auch weiterhin nicht tun. Das sehe ich bei vielen der super-teuren Netflix- und Streaming-Produktionen genauso. Die haben alle eine gewisse leblose Ästhetik, die man nicht lange erträgt. Und wer sich tatsächlich alle Folgen so einer Serie reinzieht, braucht danach erst recht „lebendes Fleisch“.  Man braucht dann wieder Wahrhaftigkeit und die können nur lebendige und analog erlebbare Schauspielerinnen und Schauspieler bieten.  Und darin sehe ich auch die Chance für das Kino. Das gemeinsame Erleben von großen Bildern mit gar keinen oder nur wenig ablesbaren Digital-Effekten.

Aber geht damit nicht ein Teil der filmischen Magie verloren?

Was ist filmische Magie? Ich bin ja als Zuschauer auch nicht so deppert, dass ich blaue Wesen, die auf fliegenden Fischen über die Kinoleinwand gleiten, für Zauberei halte. Wenn Menschen in so etwas reinkippen wollen, dann ist das eine gewisse Infantilisierung, die da stattfindet, die aber auch niemanden stört. Stören würde es mich nur, wenn solche Filme die Geschichten verdrängen, die uns menschlich bereichern können. Das verstehe ich unter Magie.

So wie das Kino nie das Theater und das Fernsehen zumindest bisher nicht das Kino verdrängen konnte?

Das Theater bedient natürlich noch mehr das, was ich vorhin als „lebendes Fleisch“ bezeichnet habe, das wir zum Überleben brauchen. Schauspieler, die auf einer Bühne stehen, und uns live mit geistiger Nahrung versorgen. Je einfacher, je analoger, desto krisenfester ist das Geschichtenerzählen und damit auch die Schauspielerei. Große Texte bedeutender Dichter einem Publikum zu Gehör und damit nahe zu bringen, geht immer. Auch ohne großen Aufwand, ohne Kamera und ohne Technik. Deshalb habe ich auch neben meiner Filmarbeit immer wieder Theater gemacht. Ich brauche das, um die Bodenhaftung, die Erdung nicht zu verlieren. Aber im Kino geistig abzuheben, hat auch eine ganz eigene Magie. Auch in Millionen-Dollar-Produktionen ist oft der Moment, auf den es ankommt, einer, in dem Menschen miteinander reden, einander anschauen und dem Publikum eine Gefühlswelt vermitteln, in der sie sich wiedererkennen können.

Sie spielen die Rolle des Optikers in „Was man von hier aus sehen kann“ ohne viele Worte, dafür aber mit viel Ausdruck. Ist das eine Rolle, die Sie besonders gerne gespielt haben?

Ja. Absolut. Ich komme vom physischen Theater. Ich habe am Serapionstheater begonnen, ohne Sprache. Ein Theater, das Themen vorgibt, aus denen sich spielerisch Situationen ergeben. Ich BIN meine Hände, mein Körper, der Ausdruck meines Gesichts. Und das ist immer der Grundstock gewesen für jede meiner Rollen. Der erste Ansatz war immer das Sichtbare, die Oberfläche.  Hugo von Hofmannsthal – mit dem ich in vieler Beziehung nur wenig anfangen kann – hat einmal den schönen Satz gesagt: ‚Die Tiefe muss man verstecken. Wo? In der Oberfläche.‘ Das ist irgendwie ein Leitmotiv für meine Schauspielerei. Und in diesem Film konnte ich das anwenden.